Rising from the ashes: 1989 until today

Erneuter Aufstieg zur Kunstmetropole 1989 bis heute

Provincial and divided: Until 1989 East and West Berlin were both largely cut off from the international art scene. Only when the Wall came down and Germany was united did the city rise again as a hub of the arts. Waste land, empty dwellings, cheap rents, creative niches, work-in-progress, pop-up spaces – in the 1990s, the sense that something new was taking shape attracted many young artists from all over the world. Galleries set up camp in the capital, and so did newspapers and magazines. New art institutions, project spaces and contemporary art formats sprouted, among them the berlin biennale, held for the first time in 1998 with major international participation. The emerging art scene and vibrant club landscape forged the legend of young, creative, partying Berlin that still persists today.

Provinziell und geteilt: Bis 1989 waren Ost- und West-Berlin von der internationalen Kunstszene weitgehend abgeschnitten. Erst mit dem Fall der Mauer und der deutschen Wiedervereinigung behauptete sich die Stadt erneut als Kunstmetropole. Brachen, Leerstand, günstige Mieten, die kreativen Freiräume, das Unfertige, Improvisierte – die Aufbruchsstimmung der 1990er Jahre zog viele junge Künstler*innen aus aller Welt an. Auch Galerien und Redaktionen von Zeitungen und Magazinen kamen in die Hauptstadt. Neue Kunstinstitutionen, Projekträume und Formate für zeitgenössische Kunst entstanden, so auch die berlin biennale, die zum ersten Mal 1998 mit großer internationaler Beteiligung stattfand. Die sich neu formierende Kunstszene und das schillernde Club-Leben begründeten den Mythos des jungen, kreativen, feiernden Berlin, der bis heute nachwirkt.

Iconic Berlin

Berlin’s auteur photography from 1970

Berliner Autor*innenfotografie ab 1970

Is photography art? For a long time the answer in Germany was “No” or at best “Maybe”. Until well into the 1970s the work of photographers was often tarnished by the stigma of producing for day-to-day consumption – for newspapers, for adverts or for the family album. Quite apart from the fact that everyone had a camera to play with now.
But more and more photographers aspired to work in an artistic context. Without waiting for commissions, they set out in search of their own themes and motifs. In West and East Berlin alike, exponents like Michael Schmidt, Dieter Appelt, Ulrich Wüst and Helga Paris redefined themselves. Their pictures were responses to their own artistic interests and ideas and nothing else – this was the birth of auteur photography. Documentation, a major task of photography, was infused by a subjective approach that revealed a personal view of the world and its realities.

Ist Fotografie Kunst? Lange wurde diese Frage in Deutschland mit „nein“ oder bestenfalls mit „vielleicht“ beantwortet. Der Arbeit von Fotograf*innen haftete noch bis in die 1970er Jahre hinein oft der Makel an, Bilder für den täglichen Gebrauch zu produzieren – für die Zeitung, für die Werbung oder fürs Familienalbum. Ganz abgesehen davon, dass Fotografieren längst ein Hobby für alle geworden war.

Aber nun beanspruchten immer mehr Fotograf*innen, im künstlerischen Kontext zu arbeiten. Deshalb begannen sie, sich ohne konkreten Auftrag ihre Themen und Motive zu suchen. In West- und Ost-Berlin entwickelten Protagonist*innen wie Michael Schmidt, Dieter Appelt, Ulrich Wüst und Helga Paris ein neues Selbstverständnis. Mit ihren Aufnahmen folgten sie allein den eigenen künstlerischen Interessen und Vorstellungen – die Autor*innenfotografie entstand. Die Dokumentation als wichtige Aufgabe der Fotografie wurde von subjektiven Sichtweisen durchdrungen, um den eigenen Blick auf die Welt und deren Lebensrealitäten zu zeigen.

In Projekten wie „Wedding“ fotografierte beispielsweise Michael Schmidt graue West-Berliner Stadtlandschaften und zeigte den öffentlichen Raum als Projektionsfläche der Erinnerung. In seinem Blick auf die Stadt als Raumgefüge treffen Alt und Neu aufeinander – die Ruinen als erkennbare Spuren des Krieges, aber auch die neuen Betonbauten als unwirtlicher Lebensraum.
Einen eigenen Stil entwickelte auch Gundula Schulze Eldowy, die in der DDR fotografierte. Ihre Serie „Der große und der kleine Schritt“ fokussiert auf Formen der Gewalt, die unbemerkt zum alltäglichen Leben gehören. Diese schonungslos festgehaltenen Aggressionen sind ganz allgemeiner Natur und überall auf der Welt zu finden. Dennoch haben diese Aufnahmen vor dem Hintergrund der abgeschotteten, eingemauerten DDR eine besondere Bedeutung.

Radically subjective

Radikal subjektiv

Berlin Architectural Plans of the 1960s and 1970s in Photomontages

Berliner Bauplanungen der 1960er und 1970er Jahre in Fotomontagen

To present important planned projects in a way that was easily understandable and convincing, several architects in the post-war era turned to techniques familiar from the worlds of art and advertising. By cutting, combining, and pasting photographs and found materials, they produced images of designs that were supposed to be realistic. The goal was to obtain approval for building projects by means of appealing illustrations.

The original work was pasted together. Traces of its making and the diversity of its materials are still recognisable here (collage). Because it was intended to be copied and disseminated using media, however, its contours, cut edges and retouching blurred visually into a new scene that looks uniform (montage). The printed result becomes the ‘original’. These days, computer-aided design (CAD) replaces this arduous manual method.

Artistically ambitious architects also used cinematic means to present their projects. They edited audio and video materials and combined them into a lively narrative. They, too, used the montage technique.


Um wichtige Bauvorhaben vor Realisierungsbeginn leicht verständlich und überzeugend zu vermitteln, wandten sich einige Architekt*innen in der Nachkriegszeit bekannten Techniken aus der Kunst und Reklamewelt zu. Durch Schneiden, Kleben und Zusammenfügen von Fotografien und gefundenen Materialien entstanden vermeintlich realitätsnahe Bilder der Entwürfe. Ziel war es, mit ansprechenden Visualisierungen eine Zustimmung für die Umsetzung der Bauprojekte zu erreichen.

Das Ursprungswerk war ein Klebebild. Arbeitsspuren und Materialvielfalt blieben hier noch erkennbar (Collage). Mit seiner gewünschten medialen Vervielfältigung und Verbreitung verschwammen jedoch Konturen, Schnittkanten und Retuschen optisch zu einer neuen, einheitlich wirkenden Szene (Montage). Das Druckergebnis wird zum „Original“. Heute ersetzt das Architektur-Rendering dieses aufwendige händische Verfahren.

Künstlerisch ambitionierte Architekt*innen präsentierten ihre Vorhaben auch mit filmischen Mitteln. Sie bearbeiteten Bild- und Tonmaterial und stellten es zu einer animierten Erzählung zusammen. So bedienten sie sich ebenfalls der Montagetechnik.


Architecture as Image



Architektur als Bild


New Objectivity in the 1920s

Neue Sachlichkeit und Neues Bauen der 1920er Jahre

The art critic Paul Westheim called the Berlin of the 1920s “Europe’s most objective capital”, describing a dominant mood of the times. In art too, a sober style developed after the First World War, and it soon came to be known as New Objectivity [Neue Sachlichkeit].

The artists who adopted it had chosen to observe the visible world, focusing on everyday, unspectacular subjects. Still life, (urban) landscapes and portraits topped the artistic agenda for New Objectivity. In Berlin, its adherents also produced studies of local milieus. Their social critique was explicit. The people and objects in these paintings and drawings are isolated by the distance between them. The compositions are clearly structured, and depictions are detailed. But New Objectivity did not simply reproduce the world of the 1920s. Space and proportions are often distorted, and colours rarely match their real-life motif. Besides, the background is often symbolically encoded. New Objectivity, then, was only objective on the surface. The mellow mood of artists like Otto Dix, George Grosz, Jeanne Mammen and Christian Schad reflected the alienation and crisis in modern society.


„Neue Sachlichkeit“ war in den 1920er Jahren ein vielgebrauchtes Schlagwort und beschrieb nicht nur das damalige Lebensgefühl. Auch in Kunst und Fotografie entwickelte sich nach dem Ersten Weltkrieg ein nüchterner Stil, der als Neue Sachlichkeit bezeichnet wurde. Die zugehörigen Künstler*innen interessierten sich für die sichtbare Welt und richteten ihren Blick auf das Unspektakuläre, Alltägliche. Stillleben, (Stadt-)Landschaften und Porträts bestimmten ihre Bildwelten. Besonders in Berlin entstanden außerdem Milieustudien, die zum Teil deutlich Kritik an der Gesellschaft übten. Auch in der Architektur entwickelte sich mit dem Neuen Bauen ein sachlich-funktionaler Stil, der das Berlin der Weimarer Republik prägte.

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